Roy Lichtenstein "pop art"

Roy Fox Lichtenstein es um pintor, artista gráfico y escultor estadounidense conocido sobre todo por el arte del comic que aplica em sus obras como forma de critica a la sociedad.

En su trabajo, los clichés son utilizados como forma de arte y su técnica utiliza oleo, tinta acrílica y el puntillismo para reproducir los pontos articulados que estamos acostumbrados a ver en las historias.

El gran impacto visual de su trabajo se finaliza con colores brillantes y limitadas, casi siempre el rojo, azul y amarillo, siempre delineadas con un trazo negro.

OPINION PERSONAL: Este pintor rompe las reglas de los pintores y en vez de pintar cuadro normales pinta comic . Son de unos colores muy vivos . Tambien se fija mucho en los gesto de los personajes . Y esta pintado lentamente . El pintor lo pintaba en forma de tira para que continuase la historia

INFORMACION SACADA DE UN CUADERNO

Antonio Saura Crucifixión

Este tema constituye una de las principales obsesiones de Saura desde los años cincuenta y su forma de abordarlo -con un carácter monstruoso y agresivo desde el punto de vista sexual- ha sido interpretada como sacrílega y blasfema; pero el pintor ha salido en su propia defensa diciendo que no se trata del Cristo de los católicos, ni responde a motivos religiosos; no es irreverente ni místico, sino un hombre clavado absurdamente en la cruz, un grito de protesta, la tragedia de un hombre solo ante un universo amenazador, un símbolo trágico de nuestra época, como el Perro de Goya o las Multitudes.

OPINION PERSONAL: Este cuadro representa como si hubieran matado un moustruo y estallara la sangre y salpicara .Los colores que coge son el negro ,rojo y blanco y el cuadro es como un poco abstracto .

INFORMACION SACADA DE UN CUADERNO

Antonio Lopez La Gran Via

La Gran Vía es una de las obras más conocidas del artista español Antonio López. Pertenece a la corriente del hiperrealismo dentro de las propuestas neofigurativas de la 2ª mitad del s.XX. La pintura es del año 1981.

El cuadro es una reproducción prácticamente exacta de la Gran Vía madrileña, fácilmente se puede confundir con una fotografía. López simula en sus obras el deterioro provocado por el paso del tiempo o el uso.

El hiperrealismo es un movimiento artístico surgido en los años 60. Nació como reacción al nuevo arte conceptual que se aleja de la pintura. Consiste en la representación exacta de la realidad partiendo de la fotografía, como en La Gran Vía.

Antonio López es el padre del hiperrealismo en España. En sus pinturas(fotos) retrata desde personas hasta vistas de la ciudad de Madrid. En 1992 se realizó una película sobre su obra: El sol del membrillo. Actualmente es el artista encargado del diseño del monumento conmemorativo del 11M.

Además de ser un gran artista, La Gran Vía es una de sus mejores obras, ya que sintetiza su estilo y muestra su virtuosismo. Por desgracia y esperemos que por poco tiempo, pertenece a una coleccionista privado.

OPINION PERSONAL : Para mi es unos de los mejores cuadro de este autor porque pinta una de la famosa calle de Madrid y pinta como se ve esas calle como si estuviese andando. Antonio Lopez pinta esta gran via cuando estaba amaneciendo y pinta con colores vivos y le da mucha alegria al cuadro como lo a pintado son a pinceladas cortas . Esste cuadro hay gente que lo confunde con una foto por lo bien que lo a pintado.

Informacion sacada de un blog

http://rothko.espacioblog.com/post/2006/04/23/la-gran-via-antonio-lopez

de Kooning Dona 2

Las mujeres que pinta De Kooning, son como diosas negras, ídolos contemporáneos y banales. Pintadas a contracorriente, cuando todos en América estaban en la abstracción, el artista se propone acabar con los tópicos tradicionales sobre el arte y la belleza. Sobre este cuadro, el mismo escribió “ Woman hizo algo en mí: eliminó la composición, el orden, las relaciones, la luz –toda esa charla absurda sobre la línea el color y la forma”...

A medio camino entre la abstracción y la figuración, la mujer de De Kooning es fuertemente expresiva y amenazadora, descoyuntada en mil trozos y mil colores por los pinceles – por las brochas- del artista, parece un cruce entre las Venus primitivas, cruzadas con carteles publicitarios y pintadas callejeras obscenas. Humana y femenina a duras penas, la figura parece sin embargo uno de esos cuerpos aplastados contra el lienzo como si una apisonadora hubiera pasado sobre ellos.

OPINION PERSONAL: Es un cuadro abstracto . El color principal parece que es el negro y los colores secundario es el blanco y alguno mas que otro como por ejemplo elel amarillo el rojo naranja ....

Parece de lo que pinta como si las mujer fuera un diosa. Y parece que mientra mas para abajo mire el cuadro mas chico y mientra mas para arriba lo mira mas grande son las cosas .

INFORMACION SACADA DE ARTEHISTORIA

Pollock number one

La Camposición nº 1 es una obra de dimensiones enormes, de una medida que quiere imitar un muro de obra. La tela está totalmente cobierta de color en expresión estilística de un absoluto horror vacui que será un elemento característico de la obra de Pollock y de otros miembros del expresionismo abstracto.
Los colores son utilizados directamente tal como salen de los tubos. Pollock emplea colores puros, rojo, blanco, negro, con los cuales forma Iineas que se curvan sinuosamente unas sobre las otras, mostrando un ritmó paroxístico. No hay un motivo que centre la vista deI espectador, sino que se ha de limitar a pasar la mirada por toda la superficie de la pintura. Es una obra total que se ha de disfrutar integramente. Este cuadro es una imagen de una intensidad casi apocaliptica gracias a la rapidez y a la energía psíquica de su ejecución, que son palpables en el cuadro.
Para llenar el lienzo escoge los materiales que le proporciona la industria, barniz, esmaltes, con colores de cualidades timbricas y potentes. La obra se realiza sin un plan previo y, «como el jazz, se construye al mismo tiempo que se interpreta». Lo importante es la inmediatez, el acto de pintar más que el resultado final. No existe, por tanto, un tema, ni un espacio determinado, ni una disposición compositiva, ni figuración. Su acción responde a un impulso libre, automático, principio ya utilizado por los surrealistas, y el resultado es un espacio puramente óptico y totalmente cubierto («all over»). La pintura es un vehículo de expresión de sentimientos, pero no hay nada que descifrar.

OPINION PERSONAL: El autor pintare remacablemente trassnparente a pesar de muchas capas de color . A cada persona le puede parecer uno cosa porque no existe un espacio ni un tema determinado . Este cuadro pertenece al espresionismo abstracto. Marca las lineas a un ritmo determinado que controla dejando caer la pintura encima de la tela colocando directamente del suelo mediante una lata agujereada o unos pinceles rebosantes de pinturas.

INFORMACION SACADA : artehistoria

LAS CONSTELACIONES

Miró alterna sus estancias parisinas, donde sobrevive a veces con gran estrechez económica, con períodos en Mont-roig y Mallorca. Las privaciones y la guerra civil española se traducen en una pintura atormentada y gestual cuya expresión más aguda es El segador, pintada para el pabellón de la República Española en la Exposición Universal de París de 1937 donde se exhibió junto al Guernica de Picasso-, hoy perdida.
Pero será en 1940, en el pueblecito normando de Varengeville, donde Miró se había instalado huyendo de la guerra, cuando su carrera dé un giro definitivo con veintitrés pequeñas pinturas sobre papel mojado y arrugado genéricamente tituladas Constelaciones. Estas pequeñas composiciones, inspiradas por la contemplación del cielo estrellado de la costa normanda, no son sino tramas de pequeños pictogramas que cubren por igual toda la superficie pintada, convertida así en un espacio topológico prolongado más allá del formato. Miró no sólo depura su peculiar simbología pictórica, sino que descubre y conquista un nuevo concepto del espacio que anticipa buena parte de la pintura no figurativa posterior a 1945.

En 1941 Miró vuelve a España, y una gran retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York supone su definitiva consagración internacional, que le llega en el momento en que su carrera alcanza la madurez artística. Desde entonces Miró prosigue ahondando y depurando su peculiar lenguaje y adentrálidose cada vez con mayor seguridad en nuevos soportes y técnicas. Acentúa su dedicación a la escultura y, desde los años cincuenta, inicia una colaboración Constante Con Josep Llorens y Artigas en el campo de la cerámica. Los encargos americanos hacen posible su salto a los grandes formatos y desembocan en los murales cerámicos que ocuparán gran parte de su tiempo desde los dos realizados en 1957 para la UNESCO en París. Por estos mismos años comienza a hacer diseñospara tapices y textiles, siempre en armónica colaboración con destacados artesanoS del sector, conquistando así nuevos dominios para su lenguaje.

OPINION PERSONAL : El cuadro porece como El Guernica tiene pocos colores y parece que esta hecho a lapiz. El cuadro no tiene mucho sentido por son figuras al boleo. Esta pintado sin dificultad a pinceladas corta pero a veces a pincelada larga por ejemplo para pintar la cara de los personaje

INFORMACION SACADA DE D.G. Paola Fraticola

La persistencia de la memoria

Aquí, Dalí se inicia con sus famosos relojes blandos. El decía que no eran otra cosa que el queso Camembert del espacio y el tiempo, suave, extravagante, solitario y paranoico-crítico. En este autorretrato, un Dalí similar al que aparece en “El gran masturbador” (1929), se encuentra inmóvil y con la lengua afuera. Aparte de los insectos, se encuentra aislado en un paisaje árido y caluroso. En estas condiciones, la percepción del tiempo y del espacio, y el comportamiento de los recuerdos, adquieren formas blandas que se ajustan a las circunstancias. Veinte años más tarde en “La desintegración de la persistencia de la memoria” (1952), Dalí descompone estas imágenes incorporando el conocimiento de las consecuencias del uso destructivo de la energía atómica

OPINION PERSONAL: El cuadro representa el tiempo - espacio , solitario , muestra colores oscuro para que lo demas que son colores claro destaquen .El cuadro esta pintado a pincelada pequeña y muy finas al fondo se ve que esta saliendo el sol en una playa .Tambien parece que hace mucha calor por los relojes por que estan como derretidos

INFORMACION SACADA DE ARTEHISTORIA

cubofuturista de malevich

Entre 1912 y 1915 se suma al naciente futurismo ruso -David Burliuk, Kruchenij, Jlebnikov y Maiakovski publican en 1912 Bofetada al gusto público, su primer manifiesto-, aunque él prefiera identificarse como cubofuturista. Será en 1913 cuando su actividad vanguardista se acentúe con la publicación de un nuevo manifiesto y, sobre todo, con el estreno de Victoria sobre el sol, ópera futurista con libreto de Kruchenij, música de Matiuchin y decorados y figurines del propio Malevich que prefiguran ya el suprematismo. Malevich comparte las experiencias relativas al zaum, lengua "transmental" y arbitraria, despojada por completo de significados, que practican por entonces poetas como Jlebnikov y Kruchenij. Estas experiencias alógicas serán el puente entre algunos de los más importantes cuadros cubofuturistas -Un inglés en Moscú o El aviador ambos de 1914- y el suprematismo. Su obra empieza a difundirse en el extranjero: en 1912 Kandinsky lo invita a la segunda exposición de El Jinete Azul en Munich y, en 1914, tres de sus cuadros cubofuturistas se exponen en los Independientes de París.

OPINION PERSONAL: Este cuadro representa como un rompecabeza y dibujos sin sentido tambien hay palabra que tampoco tiene sentido y el cuadro parece que esta dibujado por un lado colores vivos y por otro colores oscuros se ve que lo a hecho a pinceladas pequeña y muy finas

INFORMACION SACADA DE ARTEHISTORIA

Ultima Cena

En grandes cuadros monumentales, Emil Nolde, integrante del grupo El Puente, interpreta la Biblia desde su perspectiva peculiar, humana y nada tradicional, que le trajo problemas por acusaciones de inmoralidad, obscenidad e irreverencia. Profundamente religioso y también profundamente convencido de la necesidad de crear un arte alemán, acabó en el partido nazi, que -como premio- le prohibió pintar. En sus cuadros, muy empastados, predomina el color, al que se subordina todo, con un dibujo deliberadamente torpe y ningún apego a la verosimilitud; un sentido dramático muy acentuado y una voluntad de expresión cargada de violencia que deforma los rasgos de sus personajes, haciéndolos grotescos

OPINION PERSONAL: Para mi el cuadro lo que expresa es que todos tenemos que esat unido siempre y sobre todos tambien los colores que el que mas destaca es el rojo entre todo la cara de los personaje del cuadro parece que son chinos y el autor como lo pinta es a pincelada corta y a veces a brochasos

INFORMACION SACADA DE ARTE HISTORIA

Jardín junto al arroyo

En todo este tiempo, su fama ha crecido en el mundo entero, con exposiciones en Nueva York, Berlín y París, entre ellas las que organizó, el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Diecisiete de las 107 obras de Klee confiscadas en Alemania, integran la exhibición de "Arte Degenerado" que el gobierno de Adolf Hitler presenta en Munich, en 1937.Expresionista en sus aguafuertes de 1904-1905, Klee elabora, después del viaje a Tunicia, un delicado Neoexpresionismo; hacia 1915, llega a la Abstracción; y en 1920, inicia sus particulares representaciones esquemáticas de seres y de cosas; en 1928, incursiona en el arte geométrico y, cinco años después, se vuelca a una sutil figuración abstracta; la etapa final, de 1937-1940, es la de signos y símbolos.Pero en estas fases, Klee es un creador único, y también es única su obra, que ejerce siempre una fascinación certera, aguda, conmoverdora. "Qué crea el artista? Formas y espacios!", escribe Klee en 1905, en su Diario, un yacimiento de ideas poéticas, de expresiones morales y de conceptos estéticos. Sin embargo, en Klee esas formas y esos espacios, originados por el color y la luz, solo debían su existencia sobre la tela o el papel a la visión interior del artista, a su conocimiento propio y autónomo de la realidad que hay mas allá de las apariencias. Porque "el arte no restituye lo visible: hace lo visible".

OPINION PERSONAL : Para mi este cuadro presenta un jardin pero mirando desde el cielo y se esta viendo los terreno de cada uno y abajo del cuadro se ve como un rio o un arroyo .

Los colores del cuadro solo son tres verde , rojo , naranja y azul pero por algunos lados se va el color y por otro los colores son mas oscuros

INFORMACION SACADA DE Paul Klee el pintor de la realidad invisible

guernica

Fue pintado al temple en 1937 . picasso se inspiro en el bombardeo de la población de Guernica durante la Guerra Civil. El gobierno republicano le encargo una obra mural para el pabellon español en la exposicion universal de paris. Realizo desde el punto de vista cubista una critica de la bombarie y el honor de la guerra.
Un viento de volencia parece arrasa la tela de todos los sentidos .Un tono contempla desde un extremo,como sorprendido , la destruccion que hay frente a el, mientra en el centro ,un caballo relincha enseñando los diente no se sabe si de rabia o pena. Por el suelo figuras humana en pateticas posturas desmigados por el sufrimiento y el temor. Al otro lado del toro , una cabeza masculina parece alegrarse ante el espectaculo . En la parte superior central, la luz que se puede interpretar como un indicio de esperanza en que todo termine los tonos grises,blanco y verde desvaido, consiquen reflejas plasticamente un la tela una atmosfera alucinante y dramatica

Opinion Personal:para mi este cuadro este representa un rompecabeza el pintor no muestra colores vivo solo en blanco y negro y esta hecho a pincelada corta y muy bien pintadas y las figuras no tiene un orden fijo esta desordenadas. Es un cuadro muy conocido en el mundo

Informacion sacada de un cuaderno que tengo

Impresión, sol naciente

El único canal de exposición con que contaban los pintores en la Francia del siglo XIX era el Salón de París, vinculado a la Escuela de Bellas Artes, que contaba con un prestigioso jurado que seleccionaba las obras enviadas. El escándalo de 1863 - con la presentación del Desayuno en la hierba de Manet - motivó la creación del Salón de los Rechazados, que tenía más éxito entre los jóvenes creadores que el oficial al exhibir obras más modernas. Los pintores que se reunían en el Café Guerbois en torno a Manet decidieron crear un foro de exposición diferente a los oficiales, en el que pudieran mostrar sus obras todos los artistas independientes. Así surge la I Exposición de la sociedad anónima de artistas pintores, escultores y grabadores que tuvo lugar entre el 15 de abril y el 15 de mayo en las salas que el fotógrafo Nadar les prestó. Acudieron 3.500 visitantes, que se rieron de la pintura tan moderna que contemplaban. A esa exposición Monet presentó nueve cuadros, entre los que destacó esta imagen que contemplamos ya que fue la que dio nombre al grupo. El crítico Louis Leroy denominó a la muestra Exposición de los Impresionistas en referencia a este cuadro y de manera totalmente despectiva. Sin embargo, los integrantes de la sociedad admitieron ese nombre como denominador del grupo. Impresión, sol naciente es una imagen tomada directamente del natural por Monet en Le Havre, representando las neblinas del puerto al amanecer mientras que el sol "lucha" por despuntar, creando magníficos reflejos anaranjados en el mar y en el cielo. La sensación atmosférica domina una escena en donde las formas desaparecen casi por completo. Los colores han sido aplicados con pinceladas rápidas y empastadas, apreciándose la dirección del pincel a simple vista, resultando una imagen de enorme atractivo tanto por su significado como por su estética.

Opinion personal: este cuadro para mi es uno de los mejores cuadro de monet el cuadro esta hecho a pinceladas rapida y muestra asin de vista que todas la pincelada van para la misma direccion. los tonos que se utilizan son azul y grises

en el primer plano parece que hay peces en el fondo . en el segun hay dos barcas . el trecer plano se ve como unos barco de fondo que se ve muy poco a causa de que hay una pequeña niebla y tambien se ve el sol reflejado en el mar y el cuarto plano se ve las nubes y los rayos de sol

informacion sacada: artehistoria

Nieve en Louveciennes

Fueron muchos los pintores impresionistas que pintaron la ciudad de París: sus plazas, sus calles, sus cafés, sus parques y jardines, animados por el bullicio callejero y el ir y venir de las gentes. Sisley nos da otra visión de París, interesándose más por lo idílico y pintoresco que por lo topográfico. Su afición por los paisajes campestres le hace reflejar la ciudad del mismo modo pacífico, sin figuras, siendo los protagonistas los reflejos luminosos del agua sobre el canal y la suave luminosidad del celaje.

Opinion Personal: sisley quiere mostrar su aficion por pintar cuadro sobre paisajes tambien muestra la luminosidad del cuadro .

informacion sacada de artehistoria

Campo con amapolas

Los amplios campos que rodeaban al pueblo de Auvers también serán un interesante motivo de inspiración para Van Gogh en un momento de "angustia creativa". Pensemos que en los dos meses que vivió en el norte pintó más de 80 lienzos por lo que cualquier tema será interesante para crear un cuadro. Vincent recurre a vistas panorámicas donde las protagonistas son las amapolas que contemplamos esparcidas por más de dos tercios de la tela. Al fondo, sobre la línea del horizonte, hallamos varios árboles recortados ante el nuboso cielo. La sorprendente pincelada del maestro vuelve a ser la estrella de la composición, construyendo la obra a base de manchas de diversos colores aplicadas con una soltura extraordinaria. Encontramos cierta sintonía con los trabajos de Monet o Pissarro al perderse paulatinamente la forma, interesándose exclusivamente por la luz y el color, los dos conceptos que revolucionaron la pintura.

Opinion personal: van gogh nos muestra un campo entero de amapola y quiere interpretar la luz y los colores vivos tambien nos muestra que el cuadro esta hecho a pinceladas y quiere dar un toque al cuadro poniendole como si hiciese viento.

informacion sacada de artehistoria

niños en la playa

Nos encontramos ante una de las imágenes más entrañables de Mary Cassatt, demostrando así su genialidad a la hora de pintar niños, quizá una de las facetas más difíciles de la pintura. Dos pequeñas juegan con sus cubos y sus palas en la arena de la playa, vestidas con trajes negros cubiertos por blancos mandiles. Una de ellas cubre su cabeza con un sombrero de paja que nos impide contemplar su rostro, mientras la que se sitúa más cerca del espectador se afana en rellenar el cubo. La brillantez de la piel infantil - destacando los rosados mofletes o los brazos enrojecidos - ha sido perfectamente interpretada por Mary, interesándose también por los efectos lumínicos al resaltar las tonalidades malvas de la sombra, elemento tradicional de la pintura impresionista. Al fondo apreciamos el mar surcado por varios veleros. La iluminación del atardecer que Cassatt consigue es otro de los grandes logros de la escena, recordando a Monet en su interés por captar las luces precisas de cada momento del día. Existe cierta similitud con la obra de Degas titulada En la playa. La delicadeza y el detallismo de las dos niñas contrasta con la soltura de los elementos que las rodean, realizados con una pincelada rápida, sin prestar atención a los detalles.

Opinion personal: cassatt es un pintor que le gusta pintar niños en este cuardo le gusta destacar los colores y la luminidad del cuadro tambien se ve que el fondo esta hecho a pinceladas

informacion sacada de artehistoria

El canal de Chichester

Durante la estancia de Turner en Petworth a lo largo del año 1828, alojándose en casa de Lord Egremont, realizó una serie de obras entre las que destaca ésta y su pareja: Un barco encallado. En Petworth fue muy bien acogido por su anfitrión, volviendo en numerosas ocasiones a este lugar. Una vez lord y pintor mantuvieron una fuerte discusión porque el maestro londinense había colocado basura flotando en el agua en uno de sus lienzos. Lord Egremont pensaba que las verduras no podían flotar mientras que Turner opinaba que sí por lo que introdujo varias hortalizas en un cubo para probar. Cuando las verduras se hundieron, el pintor montó en cólera a pesar de no rectificar su cuadro. Turner tenía razón ya que las verduras sí flotan en agua de mar; el artista había pintado lo que había visto no lo que sabía. En esta composición observamos una excelente marina en el atardecer, momento del día para el que Turner ha utilizado un precioso color plateado, animado por el amarillo de la puesta de sol y el azul de las montañas y de la ciudad del fondo. La perspectiva empleada es muy amplia, colocando el primer plano de tal manera que parece que el espectador se introduce en la composición. Pero el gran protagonista vuelve a ser el efecto atmosférico que define la mayor parte de los trabajos del maestro británico.

Opinion Personal: El cuadro que estamos viendo en pantalla trajo mucha polemica porque el pintor turner pinto el cuadro como lo veia con basura en el canal y al ver que este cuadro ofendia un poco a la ciudad cogieron y le dijieron al Turner que lo pusiera bien cual el mismo lo puso . tambien nos ilustra lo bonito que puede ser la apuesta de sol y los rayos del sol dando en l agua del canal

Los Angeles bueno y malo

La obra es un desarrollo posterior al diseño del Matrimonio del Cielo y el Infierno, y tiene el mismo estilo. Su estilo es complejo y tiene una conexión con la acuarela de Los y Orc, y el diseño del Preludio de América. Todo esto hace posible identificar a la figura atada como Orc, y aparece más mayor que en el diseño de América, pero no tan viejo como en el grabado de 1795.

Opinion Personal : Yo creo que este cuadro lo que quieres expresar es la religion segun como fueras antiguamente si eras muy religioso ibas al cielo pero si no eras religioso ibas al infierno.

Princesa de Broglie

Ingres amplió las poses de sus modelos en estos retratos de su última Si en la primera fase se limitaba a colocar a sus damas recostadas sobre almohadones , ahora varía la manera de disponerlas, en pie contra una repisa , con la pose majestuosa , o en esta más desenfada sin perder la elegancia que exhibe la princesa de Broglie. El estudio de las telas y las joyas es el mismo que en todos sus anteriores retratos. También podemos estudiar la evolución de la moda, desde los talles altos de los vestidos tipo imperio que se aprecian en sus primeros retratos, a estos pomposos vestidos e isabelinos, de escotes desmesurados y faldas infladas por polisones y armaduras. Como dato curioso el retrato con uno de los abundantes del mismo, en el que la dignísima princesa aparece totalmente desnuda.

OPNION PERSONAL: Cree que este cuadro tambien quiere mostrar los colores vivos . A la importancia a las princesa de esa epoca . Y al contraste entre el primer plano que seria la princesa y el sofa y el segundo plano que seria el fondo el detalle de la pared ....

El Juramento De Los Horacios

Representa la promesa que hacen los 3 hermanos (horacios), que habian sido elegidos por el pueblo romano para enfrentarse contra otros tres albanos y decidir en un combate sobre los destinos de Roma y Alba (region siempre en guerra) que estaba en guerra.

El pintor recoge el momento en que los Horacios reciben las espadas de su padre ante sus hermanos y juran defender a Roma hasta la muerte.

Esta obra se considera el modelo de la pintura neoclasica europea.

Francisco de Goya

En el gran lienzo que lleva por título La familia de Carlos IV, Goya pretendió evocar de algún modo Las Meninas de Velázquez. La primera pregunta que hay que formular cuando se observa este conocido lienzo es desde qué lugar y para quién fue concebida esta imagen que compromete e incluye al propio pintor. En cualquier caso, la técnica pictórica de Goya en este cuadro es de una perfección y riqueza excepcionales.

La pintura presenta sombras grises y transparentes (puestas de relieve gracias a la restauración que se efectuó del lienzo) que matizan los ricos vestidos, las sedas, las joyas y los brocados centelleantes de la familia real (las damas llevan las bandas de la Orden de María Luisa y los varones la de Carlos III). Asimismo, con la restauración el lienzo recuperó la profundidad y transparencia original.

Para La familia de Carlos IV, Goya realizó apuntes del natural, cinco de los cuales se conservan en el Museo del Prado. El pintor imprimió sobre la tela, con sorprendente simplicidad y seguridad de toque, los rasgos de los retratados. En el lienzo definitivo estos rasgos, aunque sin apenas modificación, aparecen, no obstante, un tanto atenuados. En el apunte de la infanta doña María Josefa, Goya puso de manifiesto el poco afecto que por ella sentía. Representó, descarnadamente, un rostro feo y de aspecto brujesco. En el lienzo definitivo Goya la situó en un segundo término, como correspondía a un personaje gris, que vivió a la sombra del monarca.

fuente sacada de biografias y vidas

opinión personal: Este cuadro lo he cogido porque se parece mucho al de Las Meninas